Резьба по дереву. Краткий курс объёмной резьбы.

Часть 2

Подход к созданию скульптуры хорошо расписан в разных источниках. К сожалению, а может быть и к щастью, источники отличаются иногда кардинально. Поэтому возьму на себя смелость описать выработанную мной систему. Может быть что-то подойдет.

Мастеру решать на чем сделать акцент в своей работе - ему же и отвечать - "угадал-не угадал"... В очень усредненном идеале (без учета монументализм, камерная, миниатюра и т.д. ) тезисно, это могло бы выглядеть так при подходе к скульптуре:

Взгляд издали - читаемый силует.
Подходишь ближе, читаешь обьемы.
Еще ближе разглядываешь детали.
Вплотную ощупываещь рельеф и гладишь фактуру.

На чем сосредоточиться - пускай каждый решает сам.

Настрой

1. Работа в дереве - процесс трудоемкий и длительный. В одночасье и на одном дыхании в отличии от пластических материалов создать что-либо невозможно. Поэтому, перефразируя Олешу "ни дня без строчки", моим девизом стала фраза "ни дня без стружки".

Есть вдохновение, или нет - нужно заставить себя начать делать ну хоть техническую работу, либо что-то связанное с подготовкой к новой работе. Поэтому у меня всегда в работе 2 - 3 разноплановых изделия на разных этапах развития. Начал работать, а там глядишь, и вдохновение откуда-то пришло и мысли полезли...

Тут главное не переусердствовать, потому что каждый день настроение разное и можно утратить переделкой все предыдущие находки. И если удается на этой тонкой грани балансировать и собрать большинство настроений, подтекстов и т. д., сохранив при этом первоначальную идею, то работа заживет сама, невзирая на кратковременные восторги своей "гениальностью" и моментами полного упадка, которыми она чередовалась в процессе создания.

2. Важный момент - постоянно завышайте себе "планку". Папа мне с детства внушал: "сынок, ты делай как лучше и чуть больше, а нормально само получится". Редко когда к Авторам выстраивается очередь из заказчиков. Здесь все ясно, делаешь все что удастся втиснуть в рамки и критерии заказа. А вот в "свободном полете" зачастую так и просятся сделать что-нибудь уже "опробованное", глядишь и продастся. Кушать-то хочется. Надо отказаться от соблазна (хоть и не всегда получается) "завысив планку" и прыгнуть туда, куда не добирался. Практика показывает, что даже если не допрыгнул, то в процессе получил что-то новое, что в любом случае окупится как творчески, так и материально.

3. Отсюда 3-й тезис: не оставляйте незавершенных работ!!

Даже если с вашей точки зрения она не совсем удачна, то вспомните, сколько труда и пота уже вложено в нее!! Дерево очень благодарный материал. Отшлифуй, доведи, подчеркни ошибку и вдруг окажется что получилось то, что и не планировал, откровение тебе самому, по крайней мере, все равно интересно. Поверьте, это не патетика - практика, никакой мистики.

4. Время от времени давайте работе немного отстояться. Увидите ее другими глазами. Но ненадолго, иначе трудно вернуться, перегоришь.

5. Смотрите на работу время от времени через зеркало. Так же полезно рассматривать проекцию тени, поворачивая работу в разных ракурсах. Работает силуэт и объёмы .

Работа над скульптурой. Моделирование

Воплощая идею, нарисуйте несколько эскизов, пусть совсем разных. Даже если Вы совсем не владеете техникой рисунка, просто "начеркайте" на листах набор линий не прорабатывая деталей, не стремясь соблюдать пропорции и правила рисунка. Это позволит Вам обобщенно ощутить первоначальный объем. Потом можно точно так же сформировать на листах основные блоки общей схемы. И пока никаких деталей.

Вылепите примерный эскиз - желательно не слишком мелкий, но и не обязательно в натуральную величину. Покрутите - повертите его, почувствуйте пластику, измените несколько раз его положение до крайне приемлемых точек и вариантов. Вычлените для себя главные опорные линии и объем. После этого эскиз можно проработать более тщательно с элементами характерных деталей пропорций и т. п. Это позволит вам вычленить те элементы которые в работе следует подчеркнуть, а то и притушить или убрать совсем. Однако не увлекайтесь, совершенно не обязательно прорабатывать эскиз до упора, если вы, конечно, не будете снимать с него форму под отливку. Но это уже другая тема.

Следующий этап заключается в том, чтобы подвигать и погнуть эскиз в разных, но уже не кардинальных направлениях. Хоть и жалко частично испортить более менее проработанный и даже вполне устраивающий вас эскизный вариант, но поверьте это того стоит. Даже если вы вернетесь к первоначальной позиции. Дело в том, что, работая в дереве, автор, так или иначе, отходит от строго заданной в эскизе формы, дерево само зачастую диктует такой отход (если вы работаете не по игле). Чем дальше вы продвигаетесь в резьбе, тем больше работа начинает жить своим настроением отличным от эскиза, сделанным зачастую на одном дыхании. Вот тут-то и приходят на помощь те "вольности" в отношении окончательного варианта эскиза. В основном только это позволяет сохранить в работе динамику и пластику, напряженное состояние, т.е. ощущение живого (ну это, конечно, при самом удачном раскладе). И еще одно замечание по эскизу, - решите для себя, стоит или не стоит прорабатывать его до "идеального" состояния, ведь потом может оказаться, что вам уже "скучно" будет прорабатывать это в дереве или он просто не позволит на автомате уйти в сторону, и вы пропустите более выигрышный вариант. Это индивидуально - решайте сами. Как мне кажется, работа в дереве даже при значительных отступлениях от эскиза почти всегда отличается в лучшую сторону; чьей заслуги здесь больше - вашей или дерева - не знаю.

Еще один тезис - сделал ошибку – тяни до конца. Постарайтесь превратить ее в достоинство, в изюминку, характерную особенность. Это в какой-то степени присуще высекаемой, а не лепной скульптуре. Здесь ведь ошибаться нельзя. Хотя иногда и есть возможность кардинальной переделки (блочная склейка), но лучше обойтись без этого.

В случае ошибки полезно будет дать работе отстояться. Посмотрите новым взглядом - может и не страшно. Если исправлять по "горячему", то запорите наверняка.

Особенности формирования скульптуры в массиве

Классическая методика предпочитает довольно точное перенесение пропорций на массив дерева в нескольких плоскостях последующей опиловкой и вырубкой. И чем точнее вы это сделаете, тем проще будет достижение оригинального эскиза. Последующие округления и доводка не позволяют сделать вам кардинальных ошибок особенно в строгих композициях.

Этот способ подходит как начинающим, так и опытным художникам, и его обязательно необходимо освоить. С опытом каждый автор вносит в него для себя свои удобные и приемлемые коррективы. Это индивидуально. В некоторых работах я лично приближенно вычленяю реперные точки, основные линии и блоки, а потом иду в авантюру, начиная обдалбливать всю работу "как Бог на душу положит".

Здесь главное снимать все вокруг постепенно, а не вычленять подетально или блочно, тогда ошибок сразу немеренно. При постепенной обработке форма всплывает плавно, как бы проявляется, на каком-то этапе становится самостоятельной и самодостаточной. Остановится вовремя трудно, по этому каждый решает для себя , когда…

Для себя я отметил (хотя это вариант спорный), что когда я делаю работу по классическим правилам, то получаю нормальные пропорции и каноны, пластику и т.д. в зависимости от опыта и терпения. Работа получается неплохая (особенно для критиков), но что-то она утрачивает своей "правильностью"..- может индивидуальность, хотя вариант и авторский, и изюминки удается сохранить... А вот немного бесшабашная форма хулиганства в свободном полете доставляет мне больше удовольствия в процессе самой работы. Тут и критических замечаний гораздо больше, но характерно, что в основном так же "индивидуализированные" раньше находят себе ценителей.

Однако-же я по-хорошему завидую авторам, которым удается работа в классической манере с сохранением индивидуальности. Сам я стабильно возвращаюсь к этому, надеюсь когда–нибудь допрыгну. Банальность - но всегда есть чему учиться - это не стыдно.

Кстати при работе с бронзовой скульптурой эти проблемы не возникают. Там совсем другие. Хотя авторский взгляд и остается, однако-же, видно значительное влияние материала и технологии.

О детали

Насколько важна деталь в скульптурах, каждый определяет для себя. Кто-то вообще отказывается от них в пользу объемов формы, кто-то (как я, например, по мнению многих) злоупотребляю ею. Это вопрос творческих предпочтений и конкретного решения явно не имеет.

Мое мнение, что деталь важна, что весь мир состоит из окружающих нас деталей как из мозаики. Кто-то, вычленив один цвет одну деталь превращает ее в заглавную лаконичную форму другие, скупо пометив многие детали, передают их на фоне нарочито выделенную основную мысль.

Я же иногда непроизвольно без всяких вариантов уделяю деталям (и не одной) равнозначное значение с основной формой, а иногда даже гипертрофированно выделяю ее.

Ведь иногда именно деталь (кстати, не всегда до конца известно какая) часто придает работе совершенно новое звучание и оттенок. Благодаря ним зритель часто видит то, что изначально даже не сформулировалось в контексте работы.

Так что хоть я и часто перебарщиваю с тем, что перегружаю свои работы деталями иногда в ущерб основной мысли, но пока мне кажется важным, чтобы эти рамки двигали мое творчество.

Это не значит, что нужно зацикливаться на деталях. У меня немало работ довольно лаконичных под настроение или просто под концепцию впереди «паровоза» что-то удалось что-то – нет, но автор имеет право на свое видение тем более, если это интересно еще кому-то кроме него.

А вообще все мы с точки зрения Малевича и его «Черным квадратом» конченые деталировщики.

И как говорят у нас в Одессе «Так и шо ж теперь?»?!!

Доводка и обработка поверхности

Когда работа дорезана и отшлифована, наступает важнейший этап финишных операций. Последние штрихи, которые могут испортить замечательную работу.

Часто авторы торопятся и последней «кляксой» обесценивают свой труд.

Не ленитесь! Если заранее не предусмотрено нарочитое огрубление (авторский замысел), то работу нужно «вылизать» нулевкой, терпеливо проходя все закоулки, не пропуская ничего. В этом случае после покрытия даже слабая работа «заиграет» совершенно новыми оттенками. Дерево проявит себя во всей красе, оттенив недостатки и подчеркнув достоинства. После нулевки покройте всю поверхность работы водой (хорошо смочите кистью). После полного высыхания вы увидите, что она стала «бархатистой». Это поднялся ворс. Его то и надо «смести» нулевкой, только ни в коем случае ни новой, а наполовину затертой.

Следующий этап – тонирование, если оно предусмотрено. Я использую только водорастворимые морилки. Разведенные до нужной концентрации, они позволяют как слегка «притушить» дерево или слой, так и кардинально обогатить фактуру и текстуру. Только не торопитесь, поэкспериментируйте, наращивать цвет нужно в 2-3 приема, разведя менее концентрированный состав морилки 1 или нескольких цветов морилки. Это позволит уточнять цвет работы с каждым последующим покрытием. Покрыв работу морилкой последний раз, выждав, но не дав окончательно высохнуть, нужно тщательно затереть плотно тряпкой, до блеска. Даже липа в этом случае приобретает благородную твердую поверхность с ярко выраженной текстурой (хотя вроде откуда ей взяться). Дальше покрытие восковыми мастиками или лаком. Вопрос хорошо освещен, поэтому углубляться не буду. Скажу только что лак приемлем только для мебели (функциональность), однако от покрытия им работа очень теряет, кроме того, со временем любой лак покрывается сетью трещин, ведь работа «дышит». Так что если функционально он не нужен, лучше обойтись без него. Я предпочитаю восковые покрытия. А для мелких работ из твердой древесины (например, шахматные фигурки, ложки и т.д.) хорошо будет масло. Однако и в этом случае после полного высыхания и затирки финишировать можно восковой мастикой.

Кстати для того чтоб восковые мастики глубже проникли в слой дерева (чем глубже, тем меньше вероятность возникновения белесых пятен от попадания влаги) нестрашно подержать работу над газовой плитой (быстрое и глубокое впитывание) после первых покрытий. Но смотрите, чтобы не вспухла и не треснула от перегрева. То же самое с маслом – проникает глубже, быстрее полимеризируется.

"Давайте для начала ввяжемся в бой"

Начать осваивать скульптурную резьбу можно, обладая минимальными навыками, как в плане владения техникой и инструментом, так и знанием художественных основ. Здесь уместна фраза Наполеона: «Давайте для начала ввяжемся в бой, а там посмотрим…»

В этом плане не обязывающие к особым знаниям анатомии фигурки типа гномиков вполне могут подойти. В процессе работы над ними можно приобрести знания и умения, как в технике, так и в анатомии тех или иных элементов (лицо, руки, ноги, волосы, покрытие, шлифовка и т.д.).

При этом допущенные ошибки могут выглядеть вполне гармонично, что позволит в итоге получить вполне оригинальную, самодостаточную работу, а также навык для дальнейшего совершенствования.

В этой связи хотелось бы отметить, что для постоянного подогрева творческого интереса каждая последующая Ваша работа по замыслу должна в чем-то превосходить предыдущую. В этом случае начальный учебный процесс при удачном раскладе может не растянуться на долго.

Мастер-класс: "Шут"

Стамески, используемые для предварительной обивки:

Запил массива:

Постепенно начинаю вычленять объемы.

Добавляю недостающий объем, путем притирки блока по методике, описанной выше.

Начиная более тонкую проработку лица, рук, намечаемых деталей, не торопитесь.

Не стоит сразу точно вырезать, оставляйте возможность взаимо увязки. Поскольку сделав, например четко голову с лицом гармонично завязать ее с туловищем и другими деталями не нарушив пропорции – сложно. Так же вычленяя четко отдельные блоки, наверняка утратите динамику и пластику. Лишь срезая постепенно, в круговую, прыгая с места на место, с руки на ногу, с туловища на голову, можно поймать пластику…

В это время очень полезно смотреть на тень от работы, поворачивая ее в разных ракурсах.Очень помогает поймать линию и силуэт, а так же гармоничную сочетаемость объемов.

Важное значение имеет основание. Усреднённо для начала следует отталкиваться от золотого сечения. Или еще проще – высота в районе одной трети от высоты фигуры. Потом вносите изменения, которые бы гармонировали композиционно, подчеркивая скульптуру.
При вырезании человеческой фигуры следует изучить анатомию. Однако, в процессе резьбы все время измерять и прикидывать пропорции нелегко. При первичной обработке удобно пользоваться такой методой:

1) Пах делит тело пополам.

2) Руки должны скрещиваться на паху

3) Голова с шеей равна по высоте длине от плеча до центральной линии.

В дальнейшем при тонкой доводке уже можно примеряться поточнее. Однако не нужно забывать, что индивидуальные особенности могут значительно корректировать и влиять на усредненное значение анатомических особенностей.

Так же не следует пренебрегать и гиперболой и т.д.

Доводка поверхности

Ошкурение и подрезка в несколько этапов завершается подчисткой в трудно доступных местах с помощью алмазного бора, а так же фактуры поверхностей не с помощью чеканки, а специально изготовленных перьевых профильных сверел, изготовленных из старых боров.

Это удобно, поскольку простая чеканка на дереве вспухает после покрытия неравномерно на разных плоскостях. А такой способ, даже при хаотичном покрытии поверхности одинаковыми «пупырышками» смотрится неплохо, и держит одинаковую форму.

После ошкурения нулевкой покрываем скульптуру водой. После полно высыхания поднимается ворс и «зализанная» работа смотрится бархатисто.

Вношу последние штрихи: глаза, волосы и т.д. и зализываю бархатистость затертой нулевкой. Есть смысл перед покрытием морилкой еще пройтись чистым войлоком или бормашиной с войлоком по выступающим частям.

Покрываем морилкой. Не дав полностью высохнуть затираем плотно тряпкой, войлоком, бормашиной с войлоком до появления «лоска».

После полного высыхания пропитываем мастикой, можно с подогревом. После просыхания располировываем.

Описанные этапы см. ниже.

Если остается белесость от мастики во впадинах, то подогреть над газом или феном, прочистить зубной щеткой, и полирнуть снова.

Не обязательно придерживаться жесткого алгоритма. В конце концов важен результат. Можете смело экспериментировать в процессе работы, и наверняка Вы приобретете кроме опыта еще и наработку новых приемов в свою копилку.

Творческий процесс

Творческий процесс – это то явление, которое лежит в основе любого более-менее значимого начинания в любой сфере деятельности, тем более художественной. Это является одновременно и катализатором, и локомотивом, и тем стержневым элементом, благодаря которому и во многом ради которого человек начинает творить.

Дословно воспринимать цитату «Блажен, кто не познал творческих мук» - это то же самое, что вне контекста – «Блаженны нищие духом, ибо их есть Царство Божие». Когда творческий человек на публику жалуется, что, скажем, после спектакля он так устает, что «шахтеру в забое легче и проще» (дословно!!!), то так и хочется послать его … в забой!

Творческий процесс состояние интимное, для каждого автора совершенно индивидуальное. И критерий для этого есть только один: «Каждый пишет, как он дышит» (Б. Окуджава). Никаких советов здесь быть просто не может, что одному хорошо, то другому «смерть».

В сущности ведь если посмотреть, то все великие произведения в своей основе содержат банальные вещи (сюжеты, позиции, и т.д.). И только мера таланта, индивидуальности и еще не знаю чего делает их выдающимися из ряда других почти таких же. И это не зависит от стиля, направления, концепции и т.д. и т.п.

Как ни крути, а мы до сих пор никуда не ушли от постулата древних греков «Человек – мера всех вещей». И слава Богу. Я сейчас не говорю о «Современном искусстве», часто «самовыражающимся» в виде кучки дерьма в музее либо топора, загнанного в Икону. Хотя и это мера прежде всего человека «производящего» это, да и общества.

На мой взгляд, творчество должно поднимать как автора так и зрителя, вне зависимости от того, страдал автор при этом или ловил кайф. А зритель даже после очень жесткого произведения, пусть через катарсис и шок, приподнялся, а не был раздавлен. Отсюда вытекает и отношение к «критикам». Слушать нужно все, однако не забывать, что критик перерабатывает мысли, чувства, образы, ваше Я, уже переработанное Вами.

Каждый художник сталкивается с тем, что часто «получает по рукам», как в виде добродетельной критики, так и в совершенно хамских формах.

Не зацикливайтесь на этом, потому как кончитесь как художник, стараясь понравиться, наверняка! Но и пропускать мимо ушей ничего не нужно, отбирайте то, что, пусть и болезненно, но ляжет вам на душу. Совершенствоваться надо постоянно, но не допуская утраты своего индивидуального шарма, своей «Изюминки».

Другая крайность это когда ты "Взял Бога за бороду" и смотриш на все "Через губу". Здесь тоже край.

Приведу пример из личного опыта. Именно возможность встречаться со своими "ранними" работами не только на фотографиях. Естественно отношение очень придирчивое со значительного расстояния, к технике, композиции, пропорциям и т.д. Но что сразу бросается глаза при всех технических недостатках. В работе присутствует нечто, она живет своей жизнью, несет какую-то энергетику и отпечаток меня, еще того. Это конечно очень все субъективно, но и люди в коллекции, которых она живет, видят в ней то над чем ты и сам вряд ли задумывался специально.

Разбирать по "косточкам" вопросы творчества все же занятие неблагодарное да и часто опасное — можно закопаться в такие дебри... Единственный критерий — созданная работа в идеале не требующая пояснений и говорящая сама о себе и об авторе.